Naturalnego piękna nie da się ukryć, a wraz z nim prawdziwi buntownicy ludzkości – rockmani – od razu uderzają w publiczność. Pomijając nadmierną szczerość, białoruscy rockmani w tym roku są nadal tak samo popularni i popularni.
10. Natalia Kunicka
Natalya Kunitskaya jest wokalistką wspierającą w grupie Clover Club, czyli kolejny powód, dla którego dziewczyny są zazdrosne. I to nie jest przypadkowe, bo wizerunek młodej dziewczyny potrafi odwrócić głowę swoją niewinnością. Ale w spokojnym basenie, jak mówią, demoniczna atrakcja.
9. Olga Tiaszkiewicz
Olga Tyashkevich to kolejny słoneczny przykład białoruskiej atrakcyjności. Członkini Clover Club ma niezwykły magnetyzm, dzięki czemu można ją śmiało nazwać ikoną stylu, a od jej głosu, który niesie prawdziwy rockowy rdzeń, po skórze przebiega gęsia skórka.
8. Anastazja Szpakowskaja
Anastasia Shpakovskaya jest żywym przykładem arystokratycznej kobiety erotycznej, której majestatyczny wizerunek uzupełnia jej niezwykłe hobby - śpiewanie w zespole rockowym Naka. Uznanie fanów zyskała dzięki swoim wybitnym zdolnościom wokalnym i wyglądowi, od którego trudno odwrócić wzrok.
7. Anna Khitrik
Anna Khitrik podbija mężczyzn swoim naturalnym wyglądem, ładną buzią i oczywiście talentem. Nie można powiedzieć „bezwstydnej rudej” o wokalistce rockowego zespołu Sounduk, ale nie można na nią patrzeć bez podziwu – tym bardziej niemożliwe!
6. Ksenia Żuk
Ksenia Zhuk to urocza piosenkarka i klawiszowiec w mińskiej grupie muzycznej NaviBand. Prawdziwa, zawsze pozytywna, po prostu bezwstydnie urzeka uwagę wszystkich przedstawicieli silniejszego seksu.
5. Sveta Ben
Białoruska gwiazda o pseudonimie Benka urodziła się w 1973 roku i stała się jedną z najlepszych wykonawców jazzowych w swoim kraju. Grając w grupie Silver Wedding, Sveta Ben udaje się również oczarować swoim wyglądem mężczyzn w różnym wieku. Za swój kunszt i otwartość wokalistka zajęła piąte miejsce.
4. Julia Bykowa
Solistka grupy Aura, Julia Bykowa, urodziła się w 1976 roku i wydaje się, że nie przeszkadza jej to w zajmowaniu pierwszych pozycji wśród erotycznych piękności. Może to wina Aury, ten pop-rock i etno w jednej butelce to taki eliksir młodości.
3. Alesia Berulava
Alesya Berulava, mimo 45 lat za plecami, z dumą zajmuje trzecie miejsce na liście najbardziej pożądanych wykonawców na Białorusi. Co pomaga Oldze utrzymać się w tak wspaniałej formie? Hmm, nic innego jak ciężka praca i udział w pop-rockowym zespole Mantana.
2. Ekaterina Iwanczikowa
Kolejną osobą, której należy przyznać należne i zasłużone drugie miejsce, jest Ekaterina Ivanchikova, znana wokalistka zespołu IOWA. Tak, wielu licealistów będzie niezwykle zszokowanych, że tak soczysta i energiczna piękność z ekranu okazuje się trzydziestoletnią dziewczynką, a nie studentką pierwszego roku.
1. Lena Shad
Lena Shad jest nie tylko członkiem mińskiego trio L.A. Zespół i pierwszy na stanowisku najseksowniejszych wokalistów rockowych na Białorusi. Oprócz występów z cover bandem, młodej dziewczynie udaje się podróżować i niestrudzenie fotografować swój atrakcyjny uśmiech na tle nie mniej urokliwych krajobrazów.
Rock to styl życia. Przez długi czas płeć piękna wstydziła się zademonstrować brutalnym brodatym mężczyznom, że również mają w kieszeniach atuty. Długie włosy, zaokrąglone kształty i niezrównany głos to nowa broń nuklearna, którą kobiety zrodziły na scenie powściągliwego i rozwiniętego kulturowo terytorium Białorusi.
PRYWATNA INSTYTUCJA EDUKACYJNA
„INSTYTUT WSPÓŁCZESNEJ WIEDZY NAZWA PO AMSZIROKOWA”
Dział kreacji i produkcji artystycznej
kurs pracy
w dyscyplinie „Historia Sztuki Różnorodnej”
na temat: „Białoruski rock-n-roll”
Humanista
Sevkovskaya V.V.
Kierownik
Zanko AG
Mińsk 2013
Wstęp
Rozdział I. Rock and Roll w ZSRR
Rozdział II. Rock-n-roll na Białorusi
1 Unikalna muzyka wyjątkowego kraju
2.2 Białoruski rock and roll w portretach
Wniosek
Lista wykorzystanych źródeł
Wstęp
To była rewolucja. Zmieniła życie całego pokolenia i dlatego bez niej los przyszłych pokoleń byłby inny. Ogarnęła cały świat. Zmieniła bieg historii. Przestraszyła władze i zmusiła dorosłych do poddania się ponownej ocenie. Cechą wyróżniającą tę rewolucję był jej bezkrwawy charakter – rzecz uderzająca w przypadku tak głębokiego przewrotu. Dla amerykańskiego nastolatka lat pięćdziesiątych rock and roll był rewolucją we wszystkim: w sposobie ubierania się, mówienia, chodzenia, tańca, w poglądach na świat, na autorytety, na rodziców. Ale co najważniejsze - rewolucja w poglądach człowieka na samego siebie. Wraz z nadejściem ery rock and rolla młodzi ludzie przestali koncentrować się na swoich rodzicach we wszystkim. Rock and roll dał nastolatkom wolność i niezależność. To było niezwykłe – hałaśliwa i szorstka muzyka, z potężnym ładunkiem energii i maniakalnym, pulsującym rytmem. Nie da się opisać. Można to usłyszeć i poczuć.
Tak było w Ameryce. O historii światowego rock and rolla napisano wiele książek, w Internecie jest pełno źródeł, które pozwalają znaleźć odpowiedzi na wszelkie pytania związane z tym tematem. Ale zawsze przychodzi taki moment, kiedy po przeczytaniu kolejnej biografii obcej gwiazdy zadajesz sobie pytanie: jak było u nas? Czy mamy własnego „Króla Rock and Rolla”? Kto zapoczątkował białoruski rock and roll i czy ma „własną twarz”?
Ujawnienie tematu pracy kursu pozwala poznać historię białoruskiego rock and rolla i odpowiedzieć na wszystkie te palące pytania.
Celem pracy jest analiza historii rozwoju białoruskiego rock and rolla, charakterystyka gatunku.
ü studiować twórczość białoruskich muzyków grających w stylu rock and rolla; ü zidentyfikować charakterystyczne cechy i cechy narodowe białoruskiego rock and rolla; ü określić miejsce rock and rolla we współczesnym białoruskim przemyśle muzycznym. Rozdział I. Rock and Roll w ZSRR Rock and roll przybył do Związku Radzieckiego po Światowym Festiwalu Młodzieży i Studentów w 1957 roku. Na początku lat 60. muzyka rockowa istniała w ZSRR półpodziemnie, pozostając przede wszystkim estetycznym deserem dla zaawansowanych muzycznych smakoszy, którzy nawiązali osobiste kontakty z Zachodem i mieli okazję odbierać nagrania amerykańskiego rytmu i bluesa oraz brytyjskiego „big beatu”. - głównie "The Beatles and the Rolling Stones". W połowie lat 60. w ZSRR pojawiły się pierwsze grupy beatowe, tj. w zasadzie pierwsze zespoły rockowe: „Słowianie”, „Wędrowcy”, „Mity”, „Bufony” w Moskwie; „Awangarda”, „Leśni Bracia” w Leningradzie; „Pesnyary” w Mińsku. Aby zapewnić legitymację swojego statusu i dostęp do wielotysięcznej publiczności, pierwsze zespoły rockowe zostały zmuszone do przebrania się za wykonawców „sowieckiej sceny” – tak działają dziesiątki zespołów wokalno-instrumentalnych (VIA) ( „Merry Fellows”, „Singing Guitars”) czy pod zespołami quasi-folklorystycznymi („Pesnyary”). W tym samym czasie muzyka rockowa przenikała do ZSRR kanałami wymiany kulturalnej z „bratnich krajów” socjalizmu (np. dużą popularnością cieszyły się polskie „Skaldy”). Pod koniec lat 60. entuzjazm młodzieży radzieckiej dla anglo-amerykańskiej muzyki rockowej (głównie Beatlesów i Rolling Stones) stał się powszechny. W szkołach i na uniwersytetach dużych miast (przede wszystkim w Moskwie i Leningradzie) powstają dziesiątki amatorskich zespołów - nie VIA, ale prawdziwe zespoły rockowe (głównie kwartety: trzy gitary i perkusja), wykonujące utwory z repertuaru Beatlesów, Rolling Stones „oraz inne anglo-amerykańskie i europejskie grupy (na przykład superpopularny hit Venus w wykonaniu belgijskiego zespołu rockowego Shocking Blue”). W 1971 roku w Gorkim odbył się pierwszy festiwal rockowy w historii ZSRR, na którym szczególnie udany był moskiewski „Skomorokhov” z Aleksandrem Gradskim i czelabiński „Ariel”. W tym czasie na oficjalnej sowieckiej scenie rock and roll był reprezentowany przez lekko skomercjalizowaną odmianę - twista (radzieckie popowe hity połowy lat 60. Black Cat, Beauty Queen, a później Somewhere in the World ... z filmu Prisoner Kaukazu). Przez całe lata 70. rock nadal był zjawiskiem marginalnym w sowieckiej kulturze muzycznej, obok twórczości tzw. bardowie (Bułat Okudżawa, Aleksander Galicz, Julius Kim, Władimir Wysocki) zajmujący niszę na wpół zakazanego zjawiska. Publiczne występy zespołów rockowych w latach 70. i wczesnych 80. odbywały się niemal potajemnie: w domu („koncerty w mieszkaniu” lub „kvartirniki”) lub w aulach uniwersytetów metropolitalnych. Dzięki nieoficjalnym koncertom w pałacach kultury instytutu szybko zyskały sławę nowe zespoły: „Ruby Attack”, „Flowers”, „Successful Acquisition”, „Araks”, „Leap Summer” i inne, które wykonywały głównie „covery” w Angielskie międzynarodowe hity i - rzadko - samodzielnie skomponowane piosenki. W latach 70. rozkwitło tak specyficzne zjawisko dla rosyjskiej kultury rockowej, jak „magnitizdat”, który był siecią produkcji i dystrybucji „master copy” zespołów amatorskich zarejestrowanych w rzemieślniczych warunkach. „Magnetyczne albumy” trafiły do setek fanów. „Magnitizdat” stał się ważnym czynnikiem w rozwoju rosyjskiego rocka, w szczególności powodując, że rosyjscy rockmani są obojętni na skomplikowane eksperymenty akustyczne. Muzycy rockowi, długo pozbawieni możliwości korzystania z wysokiej jakości instrumentów i najnowszego sprzętu elektronicznego do nagrywania i miksowania, wykształcili w sobie i swoich słuchaczach nawyk pewnego rodzaju muzycznego minimalizmu. Gitara i bezpretensjonalny „beat” perkusji – to cała akustyczna paleta rosyjskiego rocka, który początkowo zwracał większą uwagę na zakres werbalny. Dlatego piosenki czołowych wykonawców rocka, od Makarevicha, Grebenshchikova i Tsoia po Butusova-Kormiltseva i Shevchuka, są przede wszystkim wierszami o intensywnej treści społeczno-krytycznej i emocjonalno-moralizacyjnej. Eksperymenty akustyczne, na przykład „Akwarium” (wprowadzenie instrumentów smyczkowych i dętych, nie charakterystyczne dla rocka) wydawały się niesłychanymi śmiałymi eksperymentami. Od drugiej połowy lat 70. zachodnia muzyka popularna (w tym rock and roll) oficjalnie wkracza do ZSRR. Jedyne w kraju studio nagraniowe „Melody” rozpoczyna wydawanie albumów „Melodies and Rhythms of Foreign Pop Music”, na których obok hitów z „krajów socjalizmu” trafiały hity zachodnich gwiazd popu i rocka od Elvisa Presleya po Toma Jonesa . Pod koniec lat 70. Cliff Richard, Elton John i lider europejskiej muzyki disco, Boni M, przyjechali w trasę do Związku Radzieckiego. Jednocześnie w telewizji regularnie transmitowane są festiwale muzyki pop z polskiego Sopotu i bułgarskiego Słonecznego Brzegu. W republikach bałtyckich w tym czasie odbywają się festiwale rockowe w przebraniu świąt młodzieżowych pieśni ludowych („Lituanika” w Wilnie, festiwale w Tallinie, Tartu itp.). Wiosną 1980 roku w Tbilisi odbył się festiwal „Soviet Woodstock” „Spring Rhythms-80”, na którym wystąpiły czołowe zespoły rockowe z Moskwy i Leningradu. Igrzyska Olimpijskie 1980 w Moskwie, podobnie jak Moskiewski Festiwal Młodzieży i Studentów, stały się potężnym katalizatorem legitymizacji muzyki rockowej. W 1982 roku w Leningradzie powstało pierwsze amatorskie stowarzyszenie muzyków w ZSRR - klub rockowy, w skład którego wchodziły „Akwarium”, „Automatic Satisfiers”, „Zoo”, „Tamburyn”, „Mity”, „St. Petersburg” i inni. Nieco później w Moskwie w Domu Kultury Gorbunowa („Gorbushka”) powstało „laboratorium skalne”. W tym czasie powstały główne kierunki radzieckiej muzyki rockowej: klasyczny rock and roll („Zoo”, później „Bravo”), liryczny folk rock („Time Machine”, „Chaif”), „heavy metal” („sierpień”). , „Aria”, „Czarna kawa”, „Czarny obelisk”, „Korozja metalu” itp.); punk rock („Automatic Satisfiers”), twarda „nowa fala” („TV”), jazz-rock („Arsenal”). Powstały grupy wykorzystujące elementy postmodernistycznego przekomarzania się („Krematorium”, „Sounds of Mu”) i Sots Art („AVIA”, „Brigada S”, „Auktyon”). Oprócz Moskwy i Leningradu ukształtowały się inne regionalne „szkoły”: Ural rock, reprezentowany przede wszystkim przez zespoły ze Swierdłowska „Sok Urfin”, „Nautilus Pompilius”, „Chayf”, „Nastya” i blisko nich Ufa „DDT”, Skała syberyjska („Most Kalinow”), skała Władywostoku („Mumij Troll”). W tym samym czasie pojawiły się najlepsze albumy czołowych zespołów rockowych: „Kino” (The Last Hero, Blood Type), „Alice” (JAZZ, Energy, Sixth Forester), „Sounds of Mu” (Simple things, Zvuki mu) , „TV” (ryba procesyjna), „DDT” (dostałem tę rolę), „Obrona cywilna” (Sto lat samotności, Instrukcja przetrwania), „Agatha Christie” (Drugi front, Przebiegłość i miłość), „Nautilus Pompilius” (Separacja, Książę Ciszy) , „Centrum” (Centromania) itp. Wydany w 1986 roku w USA podwójny album Red Wave z nagraniami czterech zespołów leningradzkich („Aquarium”, „Strange Games”, „Alisa” i „Kino”) odegrał znaczącą rolę w legalizacji rosyjskiego rocka i jego wejściu na arenie światowej. Po albumie Red Wave radzieccy muzycy rockowi mieli okazję koncertować za granicą. Tak więc "Kino" odbyło tournée po Francji i Japonii w latach 1988-1989. W 1988 roku Sounds of Mu wydali album Zvuki mu w Wielkiej Brytanii, a następnie koncertowali w Anglii i USA. Ostatecznie w 1988 roku lider Akwarium B. Grebenshchikov nagrał w USA anglojęzyczny album Radio Silence, który jednak nie odniósł większego sukcesu. Wychodząc z podziemia, muzycy rockowi szybko stają się postaciami kultowymi: za zagranie tytułowej roli w filmie Igła (1988) lider „Kino” V. Tsoi został uznany za najlepszego sowieckiego aktora filmowego roku. A radziecki film „Taxi Blues” (1989) z solistą „Sounds of Mu” P. Mamonovem w roli tytułowej zdobył Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes. W przeciwieństwie do muzyki rockowej innych krajów europejskich, która pozostała głównie anglojęzyczna (Holandia czy Skandynawia), rosyjski rock wyraźnie określa się właśnie jako rosyjski fenomen muzyczny. Wcześnie zmarły poeta rockowy i wykonawca A. Bashlachev odegrał ważną rolę w przekształceniu rosyjskojęzycznego rocka w korzenie rosyjskiego folkloru muzycznego. To prawda, że wraz z zainteresowaniem rosyjską tradycją folklorystyczną (w szczególności twórczością takich grup jak „Chayf” czy „Kalinov Most”), rosyjski rock lubi oczywisty kicz „a la Russe” (czapki z nausznikami, bałałajki). , akordeony, kalosze , kosovorotki "Brygada C"). Pragnienie przetworzenia elementów „sowieckiej sceny” i pieśni bardów przejawiało się w niezwykle popularnej w latach 80. grupie „Lube”. W tym samym czasie u szczytu popularności znalazły się takie grupy retro, jak kwartet beatowy „Secret”, grupa rockabilly „Mister-Twister”, a zwłaszcza „Bravo”, która swoją popularność zawdzięcza charyzmatycznej solistce Zhannie Aguzarowej oraz następnie do nowego solisty Valery'ego Syutkina. Wśród miejskich nastolatków dużym powodzeniem cieszyły się zespoły heavymetalowe, takie jak Black Coffee, Aria, Black Obelisk, Iron March, a także wyjątkowo jaskrawy Metal Corrosion, którego występy przerodziły się w hałaśliwe happeningi z elementami striptizu. Pod koniec lat 80. na szczycie „pierestrojki” Gorbaczowa zespoły rockowe przekształciły się w projekty komercyjne, co stało się możliwe dzięki dużym wycieczkom po mieście, wyprzedanym koncertom stadionowym i wydaniu „legalnych” albumów w studiu nagraniowym Melodiya. Dotyczy to przede wszystkim pionierów rosyjskiej muzyki rockowej („Wehikuł czasu”, „Zoo”, „Akwarium”, „Kino”, „Alicja”). W dużej mierze dzięki występom i nagraniom tych grup pod koniec lat 80. w ZSRR narodził się przemysł muzyki pop w stylu zachodnim. Typowym fenomenem nowego przemysłu muzycznego pop była grupa disco „Tender May”. Przeznaczony dla młodej prowincjonalnej publiczności o bezpretensjonalnych gustach muzycznych (przede wszystkim dla dziewcząt w wieku od 12 do 17 lat), ten nastoletni zespół wokalno-instrumentalny osiągnął fantastyczną popularność w latach 1988-1989. Komercyjny sukces koncertów „na żywo” grupy był tak duży, że w tym samym czasie w różnych miastach Związku odbywały się koncerty do ścieżki dźwiękowej utworów „Przetargowego maja” z atrapami „wykonawców”. E lata - okres ostatecznej formacji rosyjskiego przemysłu muzycznego pop. Kiedyś przesiąknięta potężnym patosem nonkonformizmu i społecznego lub moralnego protestu przeciwko „systemowi”, rosyjska muzyka rockowa stała się konglomeratem mniej lub bardziej komercyjnie odnoszących sukcesy przedsięwzięć. Komercjalizacja rosyjskiego rocka wiąże się również z jego nieuniknionym rozpadem w szerokim strumieniu muzyki pop (od Philipa Kirkorova i grupy koncertowej „Na-Na” po zespoły wokalne o słodkim głosie, takie jak trio „Lyceum” czy „scandal girl” Zemfira). - komercyjna imitacja Zhanny Aguzarowej). Historia białoruskiego rocka zaczyna się wraz z rozpadem ZSRR, choć panuje opinia, że niezależnie od tego, jak oryginalna jest białoruska muzyka rockowa, cała jej historia społeczna pokazuje, że jest to bardziej „rock rosyjski” niż rock w sensie zachodnim . Cóż... spróbujmy to rozgryźć. białoruski musical beat rock Rozdział II. Rock and roll na Białorusi: wyjątkowa muzyka wyjątkowego kraju Białoruś jest rzadkim przypadkiem na przestrzeni postsowieckiej. Jest to państwo, w którym po krótkim łyku wolności, być może najkrótszym w europejskiej części byłego ZSRR – od 1991 do 1994 roku, rozpoczęto odbudowę ustroju sowieckiego. W rezultacie Białoruś jest być może wyjątkowym fenomenem w światowej praktyce: w tym bardzo monoetnicznym kraju wyraźnie wyrażają się dwa narody polityczne: Białorusini „biało-czerwono-biali” i „czerwono-zieloni” można uznać za dwie pełnoprawne społeczności. Każdy z nich ma własną flagę narodową, herb, własną świadomość przeszłości narodu i pamięć historyczną. Używają nawet różnych gramatyk języka białoruskiego. Muzyka polskich muzyków miała znaczący wpływ na białoruski rock. Polska w drugiej połowie lat 80. była krajem bardziej otwartym, przykłady zachodnie były tam bardziej dostępne. A w samej Polsce pojawiły się już godne kapele, jak LADY PANK, do których odwoływali się także białoruscy autorzy (KRAMA: „Jestem na marmurach scen Lady Pank”). Przemiany demokratyczne rozpoczęły się w Polsce wcześniej, a główny białoruskojęzyczny festiwal rockowy „Basowiszcza” odbywa się tam od 1990 roku pod Białymstokiem, 15 kilometrów od granicy. Charakterystyczne, że od samego początku zauważalna część białoruskiej muzyki rockowej była bardzo narodowa, co nie przeszkodziło liderom (ULIS, MROYA) wydać płyty w firmie Melodiya. Oczywiście był to już rok 1989, ale piosenki ULIS są darmowe nawet na ten czas: „Kali іmperyya znikne”, „Radio Svaboda”. W tekstach N.R.M. wątki narodowe i antysowieckie są mniej otwarte, ale dość zauważalne: „Szmat, ale ojciec w maju Radzima / Szmat ojciec – bezbatskoushchyna” („Szmat”), „Laska, rycząca gwiazdnica” („Kastrichnicka pisklę”). Głównymi tematami białoruskiego rocka w tym czasie była próba zrozumienia miejsca Białorusi w świecie. Już nowa Białoruś. Piosenki są często poświęcone symbolom narodowym: „Ciagnik nad Nieświeżem”, „Plyats Francyshka” (ULIS), „Brama Słucka” (KRAMA). Mamy tu na myśli narodowe mekki Białorusinów: Nieśwież – miasto w obwodzie mińskim, „druga stolica” Wielkiego Księstwa Litewsko-Rosyjskiego, dziedzictwo książąt Radziwiłłów, którzy wielokrotnie bronili autonomii Księstwa przed Korona Polska; Franciszek - pierwszy drukarz białoruski Franciszek Skaryna, postać białoruskiego renesansu. Często protest przeciwko systemowi wyrażał się w abstrakcyjnych obrazach negatywnych: „Kamendant”, „Aposhni іnspektar”… Generalnie grupy białoruskie pełniły wówczas taką samą rolę społeczną jak rosyjskie, ale istotnym dodatkiem był wątek narodowy. Przemiany 1991 roku, niepodległość kraju, przywrócenie narodowych symboli państwowych, rehabilitacja języka białoruskiego i powstanie swobód narodowych... niemniej jednak pogrążyły białoruski kamień w kryzysie. Znaczna część grup była na skraju rozpadu. Tak opisuje ten okres lider MPOI, a później jedna z najpopularniejszych grup N.R.M. Lyavon Volsky w książce Wiktora Diatlikowicza „Іх MROYA. Іх N.R.M.”: „Nie mogliśmy znać godziny demokratyzacji, ponieważ byliśmy zmagarami, obrazami i duszami. W 1994 roku w kraju pojawiła się ogólnopolska nagroda muzyczna - „Rock Karanatsy”. Jednak... ULIS rozpada się. (Rozpada się, tak że później, gdy założyciele wyjadą do Polski, Kanady, USA, zbiorą się w nowym składzie). Pod koniec 1994 roku wybory prezydenckie wygrał Aleksander Łukaszenko. „Batka” rozpoczyna stopniową odbudowę ustroju sowieckiego. I właśnie w tym momencie odradza się wątek społeczny w muzyce rockowej. W tym samym czasie rozpoczęła się demarkacja Białorusinów na „czerwono-zielone” i „biało-czerwono-białe”. Nietrudno zgadnąć, w którym obozowym skale się znajdowała. Na przełomie 1994/95. kilka zespołów naraz (N.R.M., ULIS w nowym składzie, Kasya Kamotskaya) wydaje mocne płyty, początkowo niezbyt dostrzegane, ale docenione później, gdy odbudowa sowieckiego systemu osiągnęła apogeum. Te albumy zbierały żywe wrażenia z nowej mocy. Obraz tego czasu pojawia się jako „Svyata brudnyh ręce, svyata czyste zęby”, „Niebo, niebo pacharnela”, „A packul, a packul tu jest głucha pustynia”, „W zimowej hibernacji kraj odpoczywa”... A białoruski rock odradza się jako gatunek. Pojawiają się nowe gwiazdy: NEURO DYUBEL, Alexander Pamidora, LYAPIS TRUBETSKOY. Wraz z rosnącym niezadowoleniem z reżimu wśród młodej publiczności dorasta pokolenie wychowane w połowie lat 90., co zapewnia popularność muzyków rockowych. I choć nie ma już dużych koncertów na placu, jak na początku lat 90., wiele piosenek z lat 1998-2000 staje się po prostu folkowymi ("Rubber House" NEURO DUBEL, "Three Carapakhi" i "Pavetrany Shar" N.R.M.). Tymczasem władze prowadzą politykę wypierania języka białoruskiego z życia codziennego: zamykane są białoruskie szkoły i uczelnie, ograniczana jest transmisja telewizji w języku białoruskim. W społeczeństwie panuje silny protest, w wyniku którego język białoruski staje się językiem protestu, jest coraz bardziej popularny w kulturze. Dotyczy to również rocka: choć większość z nich od samego początku była białoruskojęzyczna, jednak rosyjskojęzyczne grupy, zarówno stare (NEYRO DUBEL), jak i nowe (IQ 48), również przechodzą na język narodowy. Pogarsza się relacja między muzyką a władzą. Namiętności sięgają roku przed wyborami na trzecią kadencję. 24 lipca 2004 r., w 10. rocznicę rządów A. Łukaszenki, na stołecznym Placu Bangalore odbył się wielki koncert, który zbiegł się w czasie z wiecem opozycji. Entuzjazm publiczności był tak duży, że władze odcięły w jego trakcie prąd. Nie przeszkodziło to jednak wszystkim zgromadzonym w chórze śpiewać do końca piosenkę „Rubber House” NEURO DOUBEL. Władze się bały. Wszyscy uczestnicy koncertu (nawet instrumentaliści DRUM EKSTASY i chansonnier Dmitrij Wojtuszkiewicz) zostali niewypowiedziani rozkazem wykluczeni z anteny telewizji i radia, niektórzy zostali zwolnieni z pracy rządowej, w gazetach państwowych nie wolno o nich wspominać. A co z koncertami? Występy na Białorusi są prawie niemożliwe. Odwoływane są pod naciąganymi pretekstami, czasem na kilka godzin przed startem. Znaczna część zhańbionych zespołów zaczęła występować głównie w Polsce i na Ukrainie, w innych krajach. N.R.M. aktywnie uczestniczył w Pomarańczowej Rewolucji. Zwłaszcza podczas przerwy w przemówieniu W. Juszczenko wygłosił swoje słynne przemówienie do narodu. Ale jednocześnie białoruski rock żyje. Wyrosło nowe pokolenie zespołów, które nie miały jeszcze czasu na kłótnie z władzami (INDIGA, PLAN., IQ 48, GLUKI). Nie zabrania się im występów, choć ich piosenki są czasem nawet bardziej otwarcie antyreżimowe niż utwory mistrzów. O czym śpiewa współczesny białoruski rock? Temat wojny jest bardzo powszechny. Co więcej, jest rozumiany zupełnie inaczej niż w rosyjskim rocku. Jeśli dla Rosjan jest to coś dalekiego, wyjazd na peryferie, skąd można wrócić („Szedł powoli, wracając z wojny”, CHAYF), to po białorusku jest to wieczne i stałe, jadąc na ten teren („Vaina był zasedy, vaina - nasza prawa ręka", NRM; "Najpierw ścięty i pokonany, sam jesteś swoim lasem ў rękoma", P.L.A.N.). Innym ważnym tematem są relacje między Wschodem a Zachodem, a wśród nich miejsce Białorusi („Kagosci tsyagne do Zahadu, coś do pnessa do wyjścia”, „Drogi białoruskie”, NRM; „Słonecznie idę zza Bugu” , „Czołgi”, NEURO DYUBEL) . W cyklach, w których rockowcy rekonstruują utwory lat 20. (projekt „People's Album” i nie tylko), Wschód znacząco przegrywa z Zachodem, a czasem wydaje się być czymś wrogim („Perad navalai od razu stanie się kamiennym muram”, „Jesteś moją ziemią, ziemią”; „Krótkie ramię podczas zejścia na shlyakhoh Alg erda", AQUAMORTA). Dużo uwagi poświęca się dzisiejszemu zrozumieniu. Co więcej, obecną sytuację ocenia się jako swego rodzaju ciemność, stagnację... A stąd: „Żartuję, żartuję. Wiem, wiem, że wypadłem znikąd” („Out”, IQ 48). A wyniki wyszukiwania dla różnych grup, a nawet w różnych utworach tej samej grupy, są bardzo różne: od „Bohaterowie papieru, dzielni, odważni czekają na świt, który nie istnieje” („Gumowy dom”, NEURO DUBEL) są spotkania w tsemrze” („To Svyatlo w tsemrze”, IQ 48). Mimo wszystkich problemów i zakazów pojawiają się nowe grupy, choć trudno wymienić choćby kilka grup, z wyjątkiem apolitycznych J:MORS i NOWE JEROZOLIMY, które są dozwolone w państwowej telewizji. Mistrzowie występują w mieszkaniach i na prywatnych spotkaniach na łonie natury, koncerty młodych zespołów trwają, ale festiwale są prawie niemożliwe. Główne wydarzenie muzyczne - "Basowiszcza" - odbywa się, ale nadal w Polsce. Ale selekcja młodych grup do tego w Mińsku musiała być jakoś przeprowadzona w warunkach ścisłej tajemnicy. Dziś sytuacja trochę się zmieniła... Na plakatach widać wcześniej zakazane imiona i coraz mniej koncertów jest odwoływanych dzień przed startem. Bardzo młode zespoły starają się wyjść z polityki, żyć i tworzyć rock and rolla naśladując zachodnich muzyków. 2 Białoruski rock and roll w portretach Rock and rolla grało wiele białoruskich zespołów: Akute, BONDA, BeZ bileta, Dali, J:Mors, N.R.M., Naka, Krama, Krambambulya, Red Stars, Lyavony, Mantana, Mroya, Neuro Dubel, Ulis, New Jerusalem, Pesnyary , Strefa rubla i inni Rozważmy najważniejszą dla białoruskiego rock and rolla pracę. VIA Pesnyary słusznie można nazwać pierwszymi rock-n-rollerami. Władimir Mulawin i jego przyjaciele zaczynali w 1969 roku - grali w mińskich kinach przed seansami i grali z takim zapałem, że publiczność często domagała się odwołania seansów filmowych i kontynuowania muzyki. Zanim nazwano je „Pesnyarami”, nazywano je „Lyavonami”, co w tłumaczeniu na język rosyjski oznaczało „Jokery”. Ta nazwa zawierała w sobie nie tylko przeczucie folk-rocka, który mieli grać, ale także jasne wyobrażenie o charakterze Mulyavin, który z szacunkiem i miłością nazywano w grupie Mulyą: on, jak bajeczny Iwan Fool wyróżniała się prostotą, głębią i przebiegłością. Sztuczka polegała na połączeniu piosenki o łykowych butach i europejskiego popowego hitu „Delaila” w jednym programie. Prostota była w samym widoku jasnej, okrągłej twarzy Mulyavina - mówiąc to, szarpał wąsy z naiwnym uśmiechem... Czasami potrafili być dzicy - całkiem w stylu Pete'a Townshenda z The Who, który był znany z niszczenia zestawu perkusyjnego na scenie. Na niektórych koncertach Mulyavin grał na gitarze w pozycji leżącej, na innych miażdżył denerwujący mu sprzęt telewizyjny. W każdym razie krążyły plotki o takich wyczynach Wąsatego Wuja. Ale bardziej niż jakiekolwiek plotki, jej muzyka udowodniła energetyczną siłę grupy. Gdy tylko rozpoczęli folk-rock, z ciężkim basowym refrenem, Mowed Yas Konyushin - gdy podłoga zaczęła drżeć... Styl życia grupy i jej członków był dość rock and rollowy - ale dostosowany do białoruskiej mentalności, która zakłada trzy niespieszne posiłki dziennie i litr wódki w nocy. W triadzie seksu, narkotyków i rock-n-rolla zamiast narkotyków w Pesnyary pojawiła się wódka z bulbą w formie przystawki. Perkusista grupy Alexander Demeshko wspominał wiele lat później w wywiadzie, że w tamtych latach „bez mrugnięcia okiem wypił dwie butelki wódki, litr soku pomidorowego ze śmietaną i koperkiem, zjadł śledzie, gotowane ziemniaki i dwa steki tatarskie. " Odczułem ten białoruski rabelaizm w pełni już w 1977 roku, kiedy przyjechałem do Mińska jako korespondent pisma „Rovesnik”, aby pisać o amerykańskiej trasie „Pesnyary”. Anatolij Kaszeparow, wokalista grupy (później wyemigrował do USA), zaprosił mnie do swojego domu - wciąż pamiętam ten długi wieczór przy stole, obfitość steków, garnek gotowanych ziemniaków, butelkę bimbru i uczucie powolnego popadania w osłupienie po obfitym posiłku i mocnym połknięciu mózgów... Ale jednocześnie, mimo okresowych wybuchów agresji, „Pesnyary” nigdy nie był drużyną protestacyjną i częścią podziemia rock and rolla. Los Mike'a Naumenko czy B.G. Mulyavin'a nie przyciągał. Nie był to sensowny, mentalny wybór ruchu w grze w szachy – był po prostu inny z natury. Dysydenckie trąby powietrzne nie były dla niego charakterystyczne. Nie był narodowości białoruskiej (urodził się za Uralem), ale przesiąknął białoruską mentalnością, białoruskim sposobem myślenia i odczuwania. Jak zdefiniować ten obraz? Dobra natura, powolność, lojalność, brak histerii, miękkość usposobienia, w której głębi jak świnia w puchu leży twardy rdzeń. Wszystko to było wyczuwalne w jego muzyce. To nie był tylko zjednoczony rock kosmopolityczny, ale właśnie rock białoruski - muzyka pozbawiona wielkomiejskiej pretensjonalności, wolna od drobnego zamieszania, przestronna, jak zimowe pola, niespieszna, jak lasy wzdłuż drogi. Mulyavin bardzo dobrze pasował do okoliczności oferowanych mu przez władze sowieckie - brał udział ze swoją grupą w różnych konkursach piosenki Komsomola, śpiewał piosenki kompozytorów sowieckich i jeździł za granicę w tych latach, kiedy inne zespoły rockowe w najlepszym razie chodziły grać tańczy w pobliskiej szkole. Dość lojalnie grał według zasad sowieckich. Gdyby tylko to było w nim iw jego grupie, nie byłoby teraz o czym rozmawiać. Ale oprócz umiejętności adaptacji, w „Pesnyary” było coś jeszcze, co uderzająco odróżniało je od innych tak zwanych VIA, które z obrzydzeniem wyrażały biurokratyczne, optymistyczne piosenki ... Ludzie, którzy wyraźnie podzielili muzykę na underground, a więc prawdziwy rock and roll i pozwolili, a przez to fałszywie, piosenki Mulyavina w tamtych latach często były zbijane z tropu. Pozwolono im, puszczano je w radiu i wydano na płytach (w ZSRR wydano 12 milionów egzemplarzy płyt Pesnyary), ale jednocześnie mieli prawdziwy zapał i prawdziwe uczucie. Znałem w tamtych latach człowieka – całkiem rock and rolla, który słuchał Deep Purple i Grand Funk – który przez kilka miesięcy z rzędu nucił tylko jedną piosenkę: była to wrażliwa i przejmująca Alexandrina. Mulyavin jakoś wiedział, jak być szerszym niż ramy, które dobrowolnie zaakceptował, ponad sufitem, pod którym dobrodusznie zgodził się istnieć. Co więcej - teraz, gdy nie ma już Związku Radzieckiego i można oceniać nie heroizm podziemia rock and rolla, ale po prostu muzykę - jasne jest, że w kompozycjach Mulyavin było więcej muzyki niż w wielu prostych kreacjach undergroundowego rocka i roll, którzy źle grali na gitarach i pisali naiwne, żałosne teksty do swoich nieudolnych piosenek. Mulyavin wyraźnie wiedział, co robi. Był zawodowcem - stało się jasne dla każdego, kto kiedykolwiek odwiedził jego próby. Władnie prowadził swój zespół, osiągając czystość i przejrzystość dźwięku, tak nieodłączną od „Pesnyary”. Muzycy z jego zespołu, którzy pojawili się na sowieckiej scenie w postaci naiwnych ludowych chłopaków, wcale nimi nie byli: pianista Gilevich słuchał na przykład Oscara Petersona i Ricka Wakemana, a Kasheparov słuchał Led Zeppelin i Uriah Heep. Sam Mulyavin, nawiasem mówiąc, w tym moim wieloletnim wywiadzie, zapytany o swoje muzyczne preferencje, odpowiedział naiwną przebiegłością osoby, która chce podkreślić swoją niezależność, ale jednocześnie nie wydaje się wychodzić z mody: Staramy się unikać wpływów innych grup… Lubię Chicago” . Bardzo dobrze słyszał płynną, miękką melodię mowy rosyjskiej i białoruskiej, bardzo subtelnie wyczuwał lokalny rytm i dźwięk, który nie pokrywał się z rytmem i dźwiękiem światowego nurtu muzycznego. W elektrycznym brzmieniu grupy utkał lirę, którą znalazł w jednym z muzeów. Próbował zaszczepić słowiańską ucieczkę w zachodni rock and roll. Takich prób było bardzo mało - i tylko dwie z nich można nazwać bezwarunkowo udanymi. Są to Czerwone Gitary w Polsce - i "Pesnyary" w ZSRR. Powstał w 1982 roku z inicjatywy studentów mińskiego Kolegium Artystycznego. Początkowy skład: Lyavon Volsky (gitara, wokal), Vladimir „Vladya” Davydovsky (gitara), Yuri Levkov (gitara basowa), Ales Demidovich (perkusja). Zespół stał się pierwszym wykonawcą w historii współczesnej białoruskiej muzyki popularnej, który nagrał i wydał w ogólnounijnej firmie „Melody” album składający się wyłącznie z autorskich utworów z gatunku muzyki rockowej w języku białoruskim. W różnych momentach głównymi gitarzystami zespołu byli Venedikt Konev-Petushkovich, Leonid Shirin (później „New Heaven”, „Da Vinci”), Viktor Smolsky (później „Rage”). W 1993 roku do zespołu dołączył Pete Pavlov. We wrześniu 1994 roku członkowie zespołu postanowili zmienić kierunek muzyczny i nazwę. Od tego czasu ten skład zespołu występuje pod nazwą „N.R.M.” („Niezależna Republika Mroya”). Najsłynniejsze dzieła grupy „Mroya”: „Jestem muzykiem rockowym”, „Kastrychnitsky tsyagnik”, „Aposhni іnspektar”, „Mom-mafіya”. Festiwale: Festiwal Muzyki Młodzieży Republikańskiej „Nowopołock” (Nowopołock, 1988), „Rock Croc” (Grodno, 1988), „Rock Dialogue” (Mohylew, 1989), „Rock Bohemia” (Dnieprodzierżyńsk, Ukraina, 1989), „Rock- Mafia” (Sopot, Polska, 1990), „Belfort-FIMU” (Belfort, Francja, 1991), „Basowiszcza” (Grodek, Polska, 1991). Nagrody: laureaci festiwalu Nowopołock (Nowopołock, 1988), nagroda publiczności na festiwalu Rock Croc (Grodno, 1988), Grand Prix na festiwalu Trzy kolory (Mińsk, 1990), laureaci Basowiszczy (Grodek, Polska, 1991). Dyskografia: "Stara Świątynia" (album, MS, 1983) "Zrok" (album, MS, 1987) "Studio BM" (album, MS, 1988) "28 Zorka" (album, LP, 1990) "Biyapole" (album, MS, 1991) „Piosenki do snu z albumu ў 1988-90” (kompilacja, MS/CD, 1992) N.R.M.R.M. (białoruski Nezale ́ Południowa Respu ́ blask Mro ́ i) to kultowy białoruski zespół rockowy, śpiewa w języku białoruskim i często używa białoruskiej łaciny (alfabetu łacińskiego) podczas pisania tekstów. Założona w Mińsku w 1994 roku przez członków grupy rockowej „Mroya”. Zmiana nazwy związana była z chęcią odejścia od stereotypów związanych z „Mrojai” i rozpoczęcia grania nowej muzyki na nowym poziomie. Album „Pashpart gramadzyanina N.R.M.” (Paszport NRM) (1998) stał się szczytem twórczości grupy. Piosenki z niej (zwłaszcza „Pieśń Pra Kahanne” (Pieśń o miłości) i „Pavetrany Shar” (Balon powietrzny)) stały się naprawdę kultowe wśród młodzieży zorientowanej narodowo. Od tego czasu N.R.M. pozostaje najpopularniejszym białoruskim zespołem rockowym na Białorusi. Album „Wypróbuj” č arapachi” (Trzy Żółwie) (2000) stało się jakościowym przejściem grupy na nowy etap w pracy nad muzyką. Muzyka i styl tekstów zmieniły się nieznacznie, co spowodowało odejście niektórych starych fanów grupy i pojawienie się wielu nowych.Muzyka stała się cięższa, teksty głębsze i aktualne.Ogólnie album jest znacznie bardziej profesjonalny niż poprzednie. č arapachi”, bez którego żaden koncert nie mógłby się obejść. Od 2000 roku uczestnicy zaczęli poświęcać więcej czasu na pracę w innych projektach muzycznych (w wyniku czego prawie cała scena rockowa Białorusi jest w jakiś sposób powiązana z członkami grupy N.R.M.), dlatego albumy zaczęły pojawiać się rzadziej zmniejszyła się liczba koncertów solowych. "Dom Kultury" (2002) stał się kotwicą skrzyżowania oznaczonego w 2000 roku. Godne uwagi hity – „Wypróbuj č arapachi - 2” i „Fabryka” (Fabryka). Ale od 2002 roku zaczęły pojawiać się plotki o zbliżającym się upadku grupy. Przynajmniej przez następne 4 lata nie ukazał się żaden nowy album (tylko dwa nowe utwory na kompilacji „Spravazdacha 1994-2004” (Raport 1994-2004) (2004)). Ale przez następne trzy lata grupa kontynuowała aktywną działalność koncertową. Liczne występy odbyły się za granicą: w Polsce, Niemczech, Słowacji, Szwecji. W ich ojczyźnie grupa znajdowała się wówczas na liście zakazanej, więc koncerty odbywały się rzadko i w pół-podziemnych warunkach. W 2007 roku ukazał się długo oczekiwany szósty album studyjny „06”. Został nagrany, według Lyavon Volsky, pod wpływem wydarzeń politycznych z wiosny 2006 roku. Album „06” składa się z utworów w różnych stylach i wyróżnia się tym, że podczas nagrywania zostały użyte nowe instrumenty dla grupy - wiolonczela, mandolina, klawisze. Ponadto po raz pierwszy piosenki wykonuje nie tylko Lyavon Volsky, ale także inni członkowie grupy, a nawet chór dziecięcy. Po wydarzeniach z końca 2007 roku grupa została skreślona z listy zakazanych, co daje jej możliwość legalnego koncertowania na Białorusi, co robi grupa prowadząc aktywną działalność koncertową przez cały 2008 rok. Na początku 2010 roku, po raz pierwszy po trzyletniej przerwie, grupa nagrała nową piosenkę - "Palytyka-paralytyka". Jednak w 2011 roku, po wydarzeniach z 19 grudnia, grupa została ponownie wpisana na listę zakazaną (choć władze białoruskie zdecydowanie zaprzeczają istnieniu takiej listy). Na „Rock Coronation” 2011 grupa wystąpiła z niepełną kompozycją bez Lyavona Volsky'ego. Przez cały 2011 rok grupa występowała w nowym składzie bez Volsky'ego, który opuścił grupę z powodu nieporozumień z innymi członkami 16 lutego 2012 roku Pierwszy singiel został wydany na nowy album grupy, nagrany bez udziału Lyavona Volsky'ego. 18 maja 2012 roku w Mińsku odbył się koncert charytatywny „Sunshine” z udziałem N.R.M. Ł a Ł a Ł a Ł (1995) Odzirydzidzina (1996) w N.R.M. (1997) Pashpart gramadzyanina N.R.M. (1998) Koncerty Akustyczne XX Sceny (1999)(2000) č arapachi (2000) kultura (2002) č 1994-2004 (2004) Kołek neurologiczny „Neuro Dubel” to zespół rockowy z Mińska na Białorusi. Styl grupy to punk rock lub rzadziej „rosyjskojęzyczny raquenroll”. Zespół wykorzystuje jednak różne style, od reggae i bluesa po hardcore. Być może właśnie ta różnorodność, najpotężniejsza koncertowa energia i „nerwowe” teksty z definicji dziennikarzy sprawiły, że grupa zdobyła wystarczającą miłość białoruskiej publiczności… Firma Neuro Dubel została założona w 1989 roku przez Aleksandra KuLLinkovicha (wówczas jeszcze KuLinkovicha) i Giennadija Ageichika. Urodziny grupy to 17 lipca, kiedy ten duet, będąc w stanie strasznego kaca, napisał i nagrał kilka powolnych i smutnych piosenek. Przez kolejne lata duet pracował głównie w domu, zbierając materiał muzyczny i tworząc własny styl i brzmienie. W tym stanie, używając głównie domowego sprzętu audio, zespół wydał na powierzchnię kilka albumów (w tym jeden akustyczny), który nazwano „Substandard Gangren Production Studio Products”. W 1991 roku Ageichik opuścił grupę, a na miejsce duetu pojawił się skład koncertowy: lider i autor tekstów Kullinkovich, gitarzysta Jurij Naumow, basista Dmitry Chizh i perkusista Andrey Stepanyuk. Pierwszy występ Neuro Dubel na scenie miał miejsce podczas otwarcia „Astrolabe Show” 4 października 1991 roku. W 1992 roku nagrano pierwszy album studyjny „Romashka (From the ass with love)”. Grupa była pierwszym gościem z Białorusi w moskiewskiej punkowej kawiarni „Otradnoe”. W 1993 roku, wraz z pojawieniem się nowych muzyków - klawiszowca Maxa Ivashina i basisty Stasa Poplawskiego, grupa osiąga niemal profesjonalny poziom i zaczyna dużo i aktywnie koncertować. Neuro Dubel brał udział w lokalnych festiwalach: "BE SPOCK" i "Alien Water? w Mohylewie", "W obronie mniejszości muzycznych", "Rock Forum", "KG - Angry Holiday", "Hard Day" w Mińsku, w akcjach " Białoruś przeciw broni nuklearnej” i „Muzycy przeciw narkotykom”, uroczystości „Koronacji skał” w latach 1995-96, na których zespół otrzymał nagrodę specjalną Leningrad Rock Club i grupy DDT. W 1995 roku wraz z nowym solistą gitarzystą Maximem Parovem nagrano podwójny album studyjny „Smart Things (The Best)”. W 1996 roku ukazał się album "Brutal Suicide by Berner's Universal Cut", aw ciągu pierwszych dwóch miesięcy 1997 roku program ten sprzedał się w ponad 5000 egzemplarzy z niewielką lub żadną kampanią promocyjną lub reklamową. W latach 1996-97 firma PAN Records realizowała projekt okładkowy „PesnyaRok”, w którym czołowe białoruskie zespoły wykonywały wersje piosenek słynnego zespołu „Pesnyary”. Na prezentacji płyty 4 lipca 1997 roku Neuro Dubel wystąpił na sam koniec ze swoją aranżacją utworu „Vologda”, nawet po samym „Pesnyary”, tym samym kierując i zamykając show. W 1997 roku Neuro Dubel wziął udział wyłącznie przez Internet w kompilacji kanadyjskiej firmy „United Records” – „United We Stand”. Utwór „Wai-wai” pojawił się również na płycie jako honorowy ostatni utwór w towarzystwie 19 niezależnych zespołów z USA, Kanady, Wielkiej Brytanii i Finlandii. W 1998 roku, od 1 maja do 3 maja, w mieście Sosnowy Bor pod Petersburgiem odbył się festiwal rockowy „Wybrzeże Bałtyku”. 98”. Neuro Dubel otrzymał: nagrodę publiczności z marginesem 40% od najbliższej nominacji i Grand Prix Leningrad Rock Club. W 1998 roku na ceremonii wręczenia nagród dla najlepszych zespołów rockowych Białorusi „Rock-Karanatsia 98" Neuro Dubel otrzymał główną nagrodę - Rock Crown, ponadto grupa zwyciężyła w nominacjach: Najlepsza piosenka roku („Hunter and Saigak”), Najlepsza płyta roku („Hunter and Saigak”), Najlepsza wideo roku ("Hunter i Saigak" ). Na dorocznej ceremonii wręczenia nagród dla najlepszych teledysków „Crystal Monogram 99”, teledysk do utworu „Airplanes” z albumu „Villis and Pellets” zwyciężył w trzech kategoriach: Najlepszy scenariusz, Najlepszy reżyser, Najlepszy aktor. W „Koronacji skalnej” 99" album "Vorsinki i Pills" został uznany za najlepszy album 1999 roku. Na „Rock Coronation 2008” grupa po raz drugi otrzymała główną nagrodę – rockową koronę, a także zwyciężyła w nominacji najlepszej płyty – „Stasi”. W listopadzie 2007 na koncercie w klubie "Graffiti" nagrano pierwsze w historii zespołu DVD koncertowe. W 2009 roku na stronie „Tuzіn gitoў” piosenka „I tear” z albumu „Stasi” zajęła 6 miejsce pod koniec roku i została włączona do kolekcji najlepszych piosenek „Prem er Tuzin 2009”. Na „Rock-Karanatsy 2009” grupa otrzymała nagrodę specjalną „Za oddanie muzyce rockowej”. Piosenka „Kasmanauty” z albumu „Aftary Truth” zajęła 6 miejsce w paradzie hitów „Tuzin gіtoў” na koniec roku Według portalu internetowego „Tuzіn gіtoў” album „Aftary Truth” stał się najlepszym albumem 2010 roku. Powstał pod koniec 1991 roku na bazie grupy Rokis, w skład której wchodził wokalista i współautor piosenek Igor Voroshkevich (ex-Bond). Pierwszy skład: I. Voroshkevich (wokal, harmonijka ustna), Sergey Trukhanovich (gitara), Ilya Shevchik (gitara), Ruslan Pravda (gitara basowa), Andrey Leonchik (instrumenty klawiszowe), Anatoly Gorbach (perkusja), Zmitser Lukashuk (teksty) , Andrey „Klaus” Beliznyak (inżynier dźwięku). Na przestrzeni lat zespół występował: Sergey Knysh (perkusja), Arkady Yushin (gitara), Yuri Fedyuk (gitara basowa), Igor Moskalenko (perkusja), Vladimir Garilenko (klawisze, akordeon), Alexander Solovyov (gitara). Na początku 2005 roku grupa występowała z: I. Woroszkiewiczem, S. Truchanowiczem, A. Leonczikiem, Aleksandrem Wańkiewiczem (gitara basowa; ex-"Verasy", "Little Blues Band"), Andreyem Filatovem (perkusja; ex-" Suzorye ”, „Zindan”, „Mojo Blues”), Alexander Gazizov (gitara; ex-„Strefa rubla”, „Syabry”). Najbardziej znane utwory to: „Byazhi, byazhi, lad”, „Co nam pomoże”, „Stefka”, „Gomel Waltz” (z Anatolijem Jarmołenko), „Hej, nalej”, „Have a Bulba”. Festiwale: „Basowiszcza” (Grodek, Polska, 1992, 2004, 2006, 2007), „Słowiański Bazar” (1993), „Pokolenie” (Moskwa, Rosja, 1994), „Kraina Visagino” (Litwa, 1996), „Maładzeczna "(1994, 1995), "Noc Bluesowa" (Rawa Mazawiecka 2002). Nagrody: zwycięzca festiwalu „Basowiszcza” (1992); „Grupa Roku” (nagroda główna) na „Koronacji Skały 1994”; I miejsce w konkursie festiwalu „Pokolenie” (Moskwa, Rosja, 1994); „Za wierność gatunkowi” na „Rock Coronation 1995”; „Tradycja i nowoczesność” na „Koronacji Rocka 1999”; „Album Roku” („Havaysya ў Bulba”) na „Rock Coronation 2001”; "Wykonawca blues rocka" na "Koronacji Rocka 2004-2005" (Mińsk, Białoruś); 10. miejsce (album „Użyj zhytsyo - dzіўny sen”) w konkursie „Tajemnica dźwięku 2008” (wg wyników sprzedaży, Białoruś). Dyskografia „Sickness on Rock and Roll” (album, MC, 1993) "Wódka na lodzie" (album w języku angielskim, MC/CD, 1994) "Hej, nalej!" (album, MC, 1994) "Kamendant" (album, MC, 1995) "Najlepszy" (kompilacja, MC, 1995) „Tańce taneczne” (kompilacja, MC, 1996) „Co nam pomoże” (album, MC, 1998) „Miej Bulba” (album, CD, 2001) „Enjoy The Silence” (maksymalny singiel, CD, 2003) "Bądź z nami - The Best" (kompilacja, CD, 2005) "Użyj zhytsyo - dzіўny sen" (album, CD, 2008) Wniosek Droga rozwoju Białorusi, odmienna od innych krajów postsowieckich, nie mogła nie wpłynąć na losy jej muzyki rockowej, znaczących wpływów i polskiej tradycji rockowej. Moim zdaniem białoruski rock and roll to zbiorowy obraz sąsiednich krajów przez pryzmat tożsamości narodowej. Lista wykorzystanych źródeł 1. Alekseev A., Burlaka A., Sidorov A. Kto jest kim w sowieckim rocku. - M.: Wydawnictwo MP "Ostankino", 1991. - 320 s. - 200 000 egzemplarzy. - ISBN 5-86018-001-2. A. Trofimov, V. Marochkin "Rosyjski rock" - Mała encyklopedia - M.; red. LEAN, 2001 Encyklopedia rocka. Muzyka popularna w Leningradzie-Petersburgu. 1965-2005. - S-P.: Wydawnictwo: Amphora, 2007. - 416 s. - 5000 egzemplarzy. - ISBN 978-5-367-00362-8. Artemy Troitsky „Powrót do ZSRR” - S-P .: Wydawca: Amphora, 2007. - 264 s. - 7000 egzemplarzy. - 978-5-367-00525-7. Martynenka Vitovt, Myalguy Anatoly "222 albumy białoruskiego rocka i nie tylko…" - Mińsk: Wydawnictwo Medison, 2006. - 500p. - 300 egzemplarzy Zasoby internetowe http://en.wikipedia.org http://www.ulis.by Http://ekspert.by http://ultra-muzyka.com Kto jest najpopularniejszym wykonawcą? Kogo tak naprawdę słucha się najwięcej? Czy listy przebojów i nagrody są prawdziwą miarą muzycznego sukcesu? Długo nie można było znaleźć odpowiedzi na te retoryczne pytania. Dopóki się nie pojawił Ostatnia stacja FM. Usługa pozwalająca na uwzględnienie ilości odsłuchów poszczególnych muzyków przez użytkowników serwisu. Oczywiście nawet Last.fm nie da nam pełnego obrazu tego, czego słuchają ludzie na Ziemi, ale 30 milionów osób zarejestrowanych w systemie i miliardy codziennych odsłuchów to dobry punkt odniesienia dla statystycznej próbki. A co na Białorusi? W systemie uczestniczy około dziesięciu tysięcy użytkowników z Białorusi. Możliwe, że najwięcej słuchają na Białorusi. W tym tygodniu wyprzedzi Placebo, Radiohead, Depeche Mode, Muse i Lyapis Trubetskoy. Ale nie ma statystyk, których najbardziej słuchają białoruscy muzycy. Jednak nawet ustalenie przynależności geograficznej muzyków jest bardzo trudnym zadaniem – muzyka ulega globalizacji i zacierają się granice. Nie chcę powtarzać błędów białoruskich urzędników, którzy, aby osiągnąć 75% „białoruskiej” muzyki w radiu, nagrywają każdego jako Białorusina, ale postaramy się stworzyć listę najpopularniejszych białoruskich wykonawców na Ostatnia stacja FM. Od razu warto dokonać kilku rezerwacji. Po pierwsze, nie policzono wszystkich muzyków, więc proszę zostawiaj komentarze z innymi nazwiskami i linkami do nich na Last.fm. Po drugie, wielu muzyków jest nagrywanych pod różnymi nazwiskami i czasami ma różne statystyki. Próbowaliśmy znaleźć dla każdej możliwej pisowni, jeśli nie wszystkie możliwe, to najczęstsze, zarejestrowane w last.fm i policzyć je razem. I po trzecie, wzięliśmy pod uwagę dane dotyczące liczby odtworzeń (a nie liczby słuchaczy), obowiązujące na dzień 3 czerwca 2009 r. Ponadto ostateczna lista różni się od pierwotnie opublikowanej wersji. Dodano do niego kilku wykonawców, których nie brano pod uwagę podczas pierwszej kompilacji. Dalsze uzupełnienia będą brane pod uwagę w przyszłości. najlepsza dziesiątka Lider jest przewidywalny - „Lapis Trubetskoj”. Ponad milion odtworzeń - nikt nie może zbliżyć się do tego znaku. Dalej są N.R.M., Stary Olsa, Vicious Crusade i Seryoga - muzycy reprezentujący zupełnie inne style muzyczne. Szóste miejsce w sny, którego imię prawdopodobnie wielu jest nieznane. To elektroniczny projekt Denisa Korabkova i Egora Kunovskiego, który istnieje od 2000 roku, ma na swoim koncie dwa pełnowymiarowe albumy i szereg ścieżek dźwiękowych. druga dziesiątka Na szczycie drugiej dziesiątki powtarzają się królowie skalni Neuro Dubel, Grupa CherryVata kto ostatnio nagrał nowy album ViaVanilla, pracownicy metalowi Rasta oraz wieża bogów, które miały być widziane znacznie wyżej, ponieważ pasma są znane daleko poza granicami Białorusi. trzecia dziesiątka Cztery kolejne elektroniczne projekty Koordinate of Wonders, Luna:r, Randomajestiq i Stone People w TOP-40 białoruskich muzyków na Last.fm potwierdzają wysoki poziom rozwoju tego typu muzyki w naszym kraju. legendarny zespół „Pesniary” tylko 26. czwarta dekada Etno trio "Trójca", który dwukrotnie uczestniczył w festiwalu Sziget, tylko 31. Również niespodziewanie niskie były zespoły ULIS, J: Morse'a, IQ48. Późne lata 90. Białoruski rock- umowna nazwa muzyki rockowej tworzonej przez muzyków z Białorusi. W większości przypadków jest białorusko lub rosyjskojęzyczny.
Jeden z jurorów, młody kompozytor Igor Luchenok, zauważył wówczas, że w tej muzyce chciałoby się usłyszeć „mniej imitacji” i „więcej naszego sowieckiego repertuaru”. Pomimo tego, że wszystkie zespoły, poza Algorytmami, zostały skrytykowane przez jury, prasa republikańska pozytywnie zareagowała na festiwal. Uwagi krytyczne sprowadzały się do tego, że muzycy nie mają normalnego fabrycznego sprzętu, a gitary i cały sprzęt muszą wykonać sami. Na przykład gazeta „Chyrvonaya Zmena” skarżyła się, że profesjonalni kompozytorzy piszą małe utwory z gatunku big beat (w ZSRR każdą nowoczesną muzykę na gitarze elektrycznej nazywano wówczas big beatem: rock and roll, blues rock, rhythm and blues itp.). Przez wszystkie trzy dni festiwalu filmowały go kroniki filmowe „Belarusfilm”. Z materiału filmowego został zmontowany krótki 10-minutowy film „Trasa nr 13” (nazwa jednej z piosenek grupy Algorithms). Podczas montażu filmu w Czechosłowacji miały miejsce wydarzenia znane jako Praska Wiosna. W związku z tym zmienił się również klimat polityczny w Związku Radzieckim. Postanowiono nie wypuszczać gotowego filmu na ekrany kin. Film leżał na półce do 1977 roku, kiedy wydano akt jego zniszczenia, a także cały materiał do jego pracy. Kopia filmu została ukryta i przechowywana przez operatora Eduarda Gaiduka. Już 1 września 1969 roku zespół towarzyszący „Lawony”, zorganizowany przez Władimira Mulawina w Filharmonii Mińskiej, został przeniesiony do kategorii wokalno-instrumentalnej. W październiku 1970 roku zespół wziął udział w IV Ogólnopolskim Konkursie Artystów Rozmaitości, wcześniej zmieniając nazwę na „poważniejszy” Pesnyary. Pierwszej nagrody w tym czasie nie przyznano nikomu, a drugą nagrodę podzielili Pesnyary, Lew Leshchenko i gruziński zespół Dielo. W ten sposób „Pesnyary” otrzymał prawo do nagrania albumu. Podczas pracy nad albumem do Pesnyary dołączył Leonid Bortkevich, członek zespołu Golden Apples. Album został wydany w 1971 roku. Nie miał imienia, więc często nazywa się go pierwszą piosenką „You brightly dreamed of me”. Ta płyta sprzedała się w 4 milionach egzemplarzy. Repertuar „Pesnyary” składał się głównie z białoruskich pieśni ludowych, które Mulyavin ułożył w melodiach big beatowych i bluesowych. Chociaż sam Mulyavin był etnicznie Rosjaninem, sprawił, że cały Związek Radziecki śpiewał białoruskie pieśni ludowe. W 1974 roku ukazała się druga płyta „Alesya”, która oprócz pieśni ludowych zawierała także piosenki do wierszy białoruskich poetów. W 1976 roku na targach muzycznych MIDEM w Cannes, na które przyjeżdżają muzycy z całego świata, którzy sprzedali najwięcej płyt w swoim kraju, Pesnyary reprezentował firmę Melodiya i Związek Radziecki. Tam amerykańscy producenci zwrócili na nich uwagę i zaprosili ich w trasę do Ameryki. W ten sposób „Pesnyary” stał się pierwszą sowiecką grupą koncertującą w Stanach Zjednoczonych. W 1976 roku „Pesnyary” zaprezentował operę rockową opartą na wierszach Janki Kupały - „Pieśń o dziele”, aw 1978 r. Konceptualny cykl kontynuował operę „Guslyar”. Te prace zostały wykonane poważniej niż wszystkie poprzednie, w stylu art rocka. Inne VIA również pracowały w BSRR w tym okresie („Verasy”, „Siabry”), ale były to zwykłe sowieckie etapy. Pod koniec lat 70. - na początku 80. etatowa grupa muzyczna o tej samej nazwie działała w mińskiej młodzieżowo-komsomołskiej kawiarni „Suzor'e”. Muzycy grupy Suzor'e grali hard rocka. Stało się to możliwe dzięki pewnej liberalizacji reżimu w ZSRR w wyniku Olimpiady-80. Jednak już w 1983 roku za Jurija Andropowa rozpoczęły się prześladowania rockmanów i zespół Suzor’e został zakazany. Mimo to wszyscy muzycy nadal pracowali w Filharmonii. W 1984 wydali magnetyczny album Rock Therapia. W 1986 wznowili występy jako "Suzor'e", aw 1988 wydali płytę "September River" w firmie Melodiya. Sytuacja w muzyce rockowej zmieniła się całkowicie wraz z nadejściem Pierestrojki. W 1986 r. Komsomol zorganizował w Nowopołocku „Republikański Konkurs Piosenki Politycznej Młodzieży”, na którym pierwsze miejsca zajęła grupa brzeska „Złoty środek” i Mozyr „Odbicie”. W Nowopołocku i Połocku rozwinął się dość szeroki ruch rockowy, z których najważniejszą grupą była grupa Myastsovy Chas. Później zostanie tam zorganizowany coroczny festiwal „Rock-Cola”. W 1986 roku w Mińsku powstał klub rockowy „Nemiga”. Klub rockowy zorganizował własny festiwal Three Colors. W 1988 roku w Grodnie odbył się festiwal Rock Croc. W 1990 roku białoruscy studenci w Polsce zorganizowali festiwal muzyki białoruskiej „Basowiszcze”. Grupa Bonda (wcześniej Studio 7) wydała w 1986 roku jeden z pierwszych białoruskojęzycznych albumów tej dekady Fall the Sun. W 1989 roku grupa rozpadła się i na jej fragmentach pojawiły się takie grupy jak ULIS, Krama i The Little Blues Band. W 1989 roku grupa ULIS nagrała swój debiutancki album „Stranger” w Polsce, który otrzymał wiele pozytywnych recenzji w prasie białoruskiej, w 1991 roku album został ponownie wydany przez firmę Melodiya. W 1989 roku białoruscy dziennikarze muzyczni zwrócili uwagę na grupę „Mroya”, w której Lyavon Volsky grał wówczas na klawiszach i śpiewał. Wysłali list do Melodiya z prośbą o nagranie tych muzyków. Melodiya wysłała do Mińska mobilne studio nagrań. Tak więc pojawił się album „Twenty Eighth Zorka”. Podobnie jak w pozostałej części Unii, rockmani próbują poruszyć tematy różnych ostrych problemów społecznych tamtych czasów. Motyw odrodzenia narodowego jest modny. Białoruska muzyka rockowa tego czasu jest nieco pod wpływem polskiego rocka (Lady Pank). Na początku lat 90. białoruski rock przeżywał kryzys. Wiele znaczących zespołów ostatniej dekady rozpadło się na początku lat 90-tych. Upadek ZSRR, uzyskanie przez Białoruś niepodległości i nadejście demokracji wyrwały grunt spod nóg grupom zorientowanym narodowo. Lyavon Volsky, lider grupy Mroy, wyjaśnia: „Nie mogliśmy się odnaleźć w czasach rozkwitu demokracji. Byliśmy wojownikami zarówno pod względem wizerunku, jak i duszy. I w tym czasie walka stała się absolutnie niepotrzebna. W 1993 roku pojawia się rockowy zespół Drum Ecstasy, który staje się wyjątkowym projektem muzycznym. Zespół składa się z czterech muzyków grających na stalowych bębnach i tworzących ścianę dźwięku, która rozsadza publiczność. Rockowy zespół prezentuje własną wersję brzmienia: ciężką, taneczną muzykę stworzoną przez trzech perkusistów, których wspiera fundament poddawany obróbce sampli i elektronicznej perkusji gitary basowej. Jednocześnie w tym okresie pojawiły się nowe zespoły, które później stały się ikoną białoruskiego rocka. W 1991 roku powstała grupa Krama. Ich debiutancki album „Sickness on Rock-n-Roll” (1993) uznawany jest za jeden z najlepszych w dyskografii grupy. Deklaruje się punkowy zespół Neuro Dubel, pierwszy pełnoprawny album studyjny, którego „Smart Things” ukazał się w 1995 roku. Grupa ULIS odradza się w nowym składzie. Poza wszystkim wyróżnia się mińska grupa „Czerwone Gwiazdy”, która przylega do narodowego komunistycznego ruchu rockowego „Rosyjski przełom” i jeździ po Rosji wraz z Jegorem Letowem i „Obrony Cywilnej”. W 1994 roku zorganizowano muzyczną nagrodę Rock Coronation. Korona skalna przyznawana jest rockmanom, którzy zostali wyróżnieni w danym roku. Grupa Lyapis Trubetskoy staje się fenomenem. Pierwszy pełnometrażowy album, z którego „Wounded Heart” (1996) sprawia, że grupa jest popularna na Białorusi, a kolejny album „You threw” (1998) przynosi sławę w całym WNP. W latach 90. folklorem zainteresowali się profesjonalni muzycy. Zaczęły pojawiać się zespoły muzyczne, które zaczęły syntetyzować tradycyjne instrumentalne wykonanie Białorusi z muzyką rockową. Do użytku weszły takie instrumenty jak duda, piszczałki, zhaleika, harfa, harfa, okaryna, lira. Najwybitniejszymi przedstawicielami takiego eksperymentalnego folkloru byli: "Pałac", "Jur'ya", KRIWI, "Ban-Żwirba", etno-trio "Trinity". Udało im się zdobyć uznanie wśród profesjonalistów i amatorów sztuki ludowej. Pod koniec lat 90. w białoruskiej muzyce rockowej miało miejsce takie zjawisko jak wspólne albumy. To nie były tylko kolekcje. Każdy album miał swoją własną koncepcję. Pierwszym takim projektem był Folk Album (1997), którego pomysłem był artysta Michaił Anempodistow. Album poświęcony był okresowi międzywojennemu Zachodniej Białorusi, a wszystkie znajdujące się na nim pieśni stylizowane były na pieśni ludowe. W nagraniu wzięli udział: Lyavon Volsky, Kasya Kamotskaya, Alexander Pomidorov, Zmitser Voytyushkevich i inni. Album odniósł wielki sukces, polski Gazeta Wyborcza nazwany "Albumem Folkowym" w 1997 roku jako "Wydarzenie Roku" w Polsce. Później pojawiły się inne wspólne albumy, ale nie odniosły takiego sukcesu jak „Album ludowy”: album kolędniczy „Holy Vechar 2000” (1999), album piosenek poświęcony Białorusi „Tu się ekscytuję” ( 2000), album z pieśniami opartymi na wierszach poety i pisarza Władimira Korotkiewicza „Skrypka drygva” (2001). Na początku 2000 roku muzyk Zmitser Wojtiuszkiewicz rozpoczął karierę solową, grając w zespołach Palats i KRIWI w latach 90-tych. Teraz Voityushkevich zaczął występować solo lub ze swoim zespołem WZ-Orkiestra. Początkowo Zmiter używał pseudonimu Todar. Jednocześnie takie grupy jak „Podaruj prezent! ”,„ Bez biletu». ##### (5diez), „Addis Abeba”, który później stał się sławny. Spośród zespołów, które wystartowały na początku dekady, największe sukcesy odnoszą J:Morse, którego popularność, rosnąca od 2002 roku, osiągnęła swój szczyt w 2005 roku; w 2018 roku grupa ta konsekwentnie pozostaje w pierwszej piątce najbardziej utytułowanych i lubianych białoruskich zespołów rockowych. Grupa Lyapis Trubetskoy w 2007 roku wydaje album Capital, przełomowy dla ich pracy. Muzyka zespołu zmienia się na tym albumie. Nowa fala popularności Lyapis Trubetskoy wiąże się z Capital. W 2000 roku rock opera pojawiła się na białoruskiej scenie muzyczno-teatralnej w repertuarze Białoruskiego Państwowego Akademickiego Teatru Muzycznego. Wcześniej w latach 70. podjęto próby stworzenia opery rockowej. Na początku 2011 roku, z powodu konfliktów wewnętrznych, N.R.M. jej lider Lyavon Volsky został wykluczony z grupy. Bez Volsky'ego grupa została „dozwolona” i odbyła trasę koncertową po Białorusi, następnie muzycy wydali album i wzięli udział w selekcji do Eurowizji 2013. To zachowanie było niejednoznacznie odebrane przez fanów i stopniowo działalność grupy spełzła na niczym. Lyavon Volsky rozpoczął karierę solową. Wydał dwa solowe albumy i jeden album z "Krambambulą". Krytycy muzyczni jednogłośnie uznali Chyrvony Shtral za jeden z najlepszych albumów grupy. W przypadku braku możliwości występu w domu, w Wilnie odbywają się prezentacje płyt. Ambasada Litwy w takich przypadkach idzie naprzód i wydaje widzom bezpłatne wizy. W 2014 roku z powodu wewnętrznych sprzeczności rozpadła się grupa Lyapis Trubetskoy. Większość jej członków trafiła do grupy Trubetskoy Pawła Bułatnikowa. Sergey Mikhalok założył grupę Brutto, a nieco później równolegle powstała grupa Lyapis-98, w której Siergiej śpiewa stare piosenki Lyapis Trubetskoy. Niespodziewanie jesienią 2016 roku, po zakończeniu trasy po USA, staje się „dozwolone” w ojczyźnie Mikhalok. Najpierw Brutto może dać koncert w Homlu, potem w innych miastach, a potem grupa zbiera Minsk Arena, największy obiekt w kraju. W tym samym czasie na „czarną listę” wpadła grodzieńska grupa Dzieciuki, z którą Brutto wielokrotnie występował na wspólnych koncertach w Polsce. Na Białorusi koncerty grupy odwołują wydziały ideologii Dziś możesz tworzyć wysokiej jakości materiał muzyczny bez wychodzenia z mieszkania. Wcześniej wszystko było inne. Grupa „Krama” potajemnie nagrała swój debiutancki album w studiu „Pesnyarov” w nocy, N.R.M. Początkowo planowali zrobić LP „Try charapakhi” w słynnym angielskim studiu Abbey Road, a Alexander Kulinkovich, lider „Neuro Doubel”, napisał piosenki na album „Hunter and Saiga” w szpitalu. Jak powstawały kultowe albumy białoruskiego rocka, czytamy w piątkowym artykule Onliner.by. Album NRM „Trzy charapah”, według plotek, sprzedały się w bajecznym nakładzie 60 tysięcy egzemplarzy według białoruskich standardów. Sprzedawany był wszędzie: w sklepach, na stacjach benzynowych, a nawet w małych kioskach w centrach regionalnych. Muzycy mówią, że sukces albumu był całkiem logiczny. - W tamtym czasie grupa zyskała już dużą popularność – w dużej mierze za sprawą poprzednich albumów,- mówi obecny frontman zespołu Pete Pavlov. - Ale wpłynęło to również na fakt, że praktycznie nie mieliśmy konkurentów: N.R.M. były na fali sukcesu, na koncerty z naszym udziałem przyszło 10 tys. osób. Otrzymaliśmy propozycję nagrania płyty w Mińsku w studio z wschodzącą wówczas gwiazdą białoruskiej inżynierii dźwięku Giennadijem Syrokwaszem. Ale plany „Wypróbuj charapakhi” były bardzo ambitne. Kierownikiem grupy w tym czasie została Anna, żona Lawona Volskiego. Chciała zrobić coś niesamowitego – znaleźć pieniądze na nagranie albumu w Anglii w Abbey Road Studios. Jej ambicje nieco opadły, bar spadł do kawalerki w Niemczech, ale i tak były to szalone pieniądze - około 25 000. Za tę kwotę można było kupić trzy mieszkania w Mińsku. W efekcie pojechaliśmy do pracowni w Polsce, spędziliśmy tam kilka dni, żyliśmy w fatalnych warunkach: nie mieliśmy nawet duszy, ale jedliśmy kiełbasę i ser. Nagraliśmy tam album i zdaliśmy sobie sprawę, że rezultat zupełnie nam nie odpowiada. Przyjechaliśmy do Mińska i skorzystaliśmy z oferty przepisania wszystkiego w mińskim studiu. Pavlov mówi, że największy wkład w powstanie albumu wniósł Lyavon Volsky. Ale album został nagrany przez ogromną liczbę ludzi, a wszystkie piosenki zostały stworzone wspólnie na próbach. Głównym hitem nie tylko albumu, ale być może całej białoruskiej muzyki rockowej była piosenka „Try charapakhi”, która wraz z kompozycjami „Pavetrany Shar” i „Songs of the Great Kahanne” tworzy dziś złotą fundusz rocka narodowego. - Jej pomysł narodził się, gdy pojechaliśmy do Polski w trasę z "People's Albums", mówi Pete. - Potem w telewizji pokazali przemówienie Borysa Jelcyna, który w tym czasie był, delikatnie mówiąc, nie w najlepszej formie i nosił w sobie jakąś niespójną głupotę. I wymyśliliśmy mały knebel. Jelcyn wychodzi i deklaruje: „Rosyjska państwowość opiera się na trzech filarach”. Pytają go: „Które?” A on odpowiada: „Na pierwszym… drugim… i trzecim wielorybie”. Zaczęliśmy rozwijać ten temat, żartować, a kilka dni później Lyavon Volsky przyniósł gotowy tekst piosenki. A muzyka jest prosta – to prawie No Woman, No Cry Boba Marleya. Piosenka została pierwotnie pomyślana jako żart – nawet tak naprawdę jej nie zaaranżowaliśmy, czego teraz bardzo żałuję.
Sukces albumu to połączenie wielu osób, które pomogły zespołowi. Piosenki grupy były odtwarzane w radiu, teledysk do piosenki „Clean-Light” był wyświetlany w telewizji, a dyrektor koncertu grupy Vladimir Shablinsky zorganizował dla grupy trasę koncertową po Białorusi.
- Na próbie pisaliśmy dwie piosenki, Wspomina Pawłow. - Czułem się, jakbyśmy pili zimną wodę w upalny dzień. Mamy wielką przyjemność z tego, co robimy. Historia nagrywania debiutanckiego albumu grupy Krama, Ailments on Rock-n-Roll, rozpoczęła się w 1993 roku w studiu Pesnyarov - tam zaprojektowano pierwsze cztery lata młodego zespołu. I zostały nagrane nielegalnie. - Wtedy zrobiono wiele rzeczy,- wspomina lider grupy Igor Woroszkiewicz. - W naszym studiu pracował znajomy inżynier dźwięku, który w nocy zabierał nas do budynku, nie było tam żadnej specjalnej ochrony. Ale materiał na płytę pisaliśmy w Mozyrzu: było najlepsze studio na Białorusi, czegoś takiego nie było nawet w stolicy. Początkowo nagrano anglojęzyczną wersję debiutanckiego albumu: zespół miał ambitne plany wejścia na rynek międzynarodowy. Gdy materiał został wysłany do Anglii, w radiu zaczęły grać tam jakieś piosenki, grupa została zaproszona na trasę koncertową, ale niestety nic z tego nie wyszło. - W ostatniej chwili nie wydali wiz pracowniczych,- mówi Igor Woroszkiewicz. - Więc nigdzie nie poszliśmy. Ale mieliśmy jeszcze instrumentalny album, nagrany w studiu w Mozyrzu, i zdecydowaliśmy się wydać album w języku białoruskim. Nagraliśmy wokale i tak wyszło "Sickness on Rock-n-Roll".
Na pierwszej „Rock Coronation” zespół wykonał utwory z debiutanckiego albumu.
- Czy była jakaś krytyka albumu? Igor się śmieje. - Kto będzie pamiętał? Jest rok 1993 – wtedy wszystko było inne i nigdy nie byłem szczególnie zainteresowany reakcją na moją pracę. Po prostu starałem się zrobić to dobrze. Zespół Gods Tower dla Białorusi (i nie tylko) był wyjątkowym fenomenem lat dziewięćdziesiątych. Muzycy z Homela na pierwszym występie w Mińsku zrobili prawdziwą sensację, a wielu nadal wierzy, że „artykuły gospodarstwa domowego”, jak fani pieszczotliwie nazywają grupę, wymyślili nowy styl, mieszając ciężkie riffy i muzykę ludową. Pierwszym pełnometrażowym dziełem „Wieży Bogów” był album The Eerie, nagrany w ciągu kilku dni w Homlu. - Niesamowity był dla nas, można by rzec, biletem na wielką scenę,- mówi wokalista Gods Tower Vladislav Novozhilov. - Nagrali go w Homelskim Domu Nauczyciela: tam urządzono studio. Wszystko w "paczce" i bez duplikatów - przyszli i nagrali każdą piosenkę od początku do końca, od pierwszego razu starali się grać czysto. Już nie pamiętam ile nas to kosztowało, w latach dziewięćdziesiątych pieniądze były na ogół wartością względną. Ale wiele zrobili przez handel wymienny: napisałem komuś tekst, Sasha Urakov[gitarzysta Wieży Bogów . - Około. Onliner.by] zaproszony jako muzyk sesyjny - dzięki temu The Eerie zostało nagrane pod wieloma względami.
Muzyków Gods Tower można nawet nazwać pionierami białoruskiego crowdfundingu: aby wydać edycję albumu, postanowili zorganizować specjalną akcję na imprezę Homel. - Kiedy to nagrywaliśmy, popadliśmy w duże długi, więc kiedy trzeba było drukować nakład kaset, nie mieliśmy już pieniędzy,- mówi Władysław. - A dyrektor grupy Viktor Lapitsky udał się na miejsce w pobliżu miejskiego cyrku, gdzie spędzała czas cała partia Homel. Zaaranżował akcję: zaprosił wszystkich do wrzucenia jak najwięcej. Ci, którzy dali pieniądze, otrzymali następnie kopię albumu za darmo. To był białoruski crowdfunding lat dziewięćdziesiątych! Nikt wtedy tego nie robił, ludzie żyli według sowieckich koncepcji. Kiedy album był gotowy, postanowiliśmy uczcić całość. Kupiliśmy drogie wino Amaretto, które w latach dziewięćdziesiątych kosztowało dużo pieniędzy, ale nie pozostało nic innego - musieliśmy wypić elitarnego drinka przy wejściu do jednego z wieżowców Homel. Nagrany w 1993 roku album zrobił furorę. Grupa zaczęła być zapraszana na festiwale, zaczęli często odwiedzać Mińsk. Mówią, że podczas występów grupy konfiskaty padły na kolana - koncerty mieszkańców Homla były tak emocjonalne i klimatyczne. - Nie spodziewaliśmy się takiej reakcji na album. Wszyscy byliśmy chwaleni! Gram The Eerie mojemu przyjacielowi, mówię: „No, jak? Czy to wygląda jak Tiamat? A on słucha, patrzy na mnie zaokrąglonymi oczami i krzyczy: „Tak, to jest fajniejsze niż Tiamat!” Władysław śmieje się. Ale prawdziwa sława grupy „Neuro Dubel” przyszła po wydaniu albumu „Hunter and Saiga”. Tytułowy utwór i hit „Ruch z kombajnem” znał na pamięć każdy Białorusin, który jeszcze bardziej interesował się muzyką, zespół zaczął migotać w telewizji i poszedł „do ludzi”. - To dziwny album. Właściwie połowę piosenek napisałem w szpitalu, w tym hity „Łowca i Saiga” i „Ruch z kombinatem”: w 1994 roku przeszedłem operację, a potem przeszedłem coroczne badania. Podczas jednego z nich i napisał te piosenki,- mówi lider grupy Aleksander Kulinkowicz. - Jak pisałeś? Tak, jak wszystkie kompozycje „Neuro Doubel” – spontanicznie. Przychodzi mi do głowy jakiś głupi pomysł, pamiętam żart, a wokół niego budowana jest piosenka. W ten sam sposób narodził się „Przeniesiony przez kombajn” - refren, wokół którego ustawiła się cała kompozycja. Album został nagrany w 1998 roku w jednym z mińskich studiów. Muzycy wydali na nią około 1000 dolarów - ogromne pieniądze jak na tamte czasy.
- Ale klip do "Huntera i Saigi" został nakręcony za darmo. Jak? Kiedy album wyszedł, my, jak mówią, obudziliśmy się sławni - kolejka ustawiła się do nas, aby nakręcić teledysk, a my już wybraliśmy to, co chcieliśmy. Tak, to była popularność: piosenki „Hunter and Saiga” i „Move with a Combine” były odtwarzane z każdego żelazka, brzmiały zarówno w radiu, jak i w telewizji. Teraz trudno to sobie wyobrazić- mówi Aleksander. - Nawet Belteleradiocompany dało nam swoje drogie studio do sfilmowania prezentacji koncertowej (myślę, że kosztowało to około 3 milionów dolarów). Zostaliśmy wyróżnieni po prostu dlatego, że jesteśmy Neuro Doubelem. Prezentację dla mnie zapamiętał bardzo nieprzyjemny epizod: przed koncertem zadzwoniła do mnie kompletnie pijana osoba i poprosiła, żebym zabrał go na koncert za darmo. Na przykład nie ma pieniędzy na bilet. Byłem w dobrym humorze i zgodziłem się. Przed występem spotkałem go, żeby go pożegnać, ale ledwo mógł stanąć na nogach – był w takim stanie, że nie wpuściłem go. Jak mało może się skończyć. A następnego dnia zadzwoniła matka tego człowieka (zapisał mój numer) i powiedziała, że ten facet został znaleziony martwy. Od tego czasu staram się nikomu nie odmawiać. Może gdybym zabrał go na koncert, ten człowiek by przeżył.
Koncertowa prezentacja albumu odbyła się w nietypowym dla takich wydarzeń miejscu – w kinie Oktyabr. Muzycy wspominają, że na koncert przyszła ogromna liczba osób, a podczas występu trzykrotnie tracili dźwięk. - Okazało się, że kabel zasilający szedł prosto po parkiecie, a ludzie co jakiś czas go wyciągali. W rezultacie do kabla przydzielono strażników, a on odepchnął od siebie publiczność. A po koncercie w prasie pojawiło się kilka artykułów, w których mówiono, że na koncercie Neuro Dubel była strzelanina. I nie jesteśmy ani snem, ani duchem. Okazało się, że „nowi Rosjanie” świętują coś w restauracji kina i kręcą, Aleksander się śmieje. Album „Hunter and Saiga” został wydany na kasetach i płytach CD w dobrym nakładzie, który jednak do tej pory nie został wyprzedany.
Sama grupa, zanim triumfalna piosenka „Capital” była znana jako wesoły big top i pamiętana z lepkich przekomarzań, stała się numerem jeden na Białorusi. „Manifest” zapewnił sobie ten status: piosenki z albumu zostały posortowane w cytaty, a większość z nich jest znana i lubiana do dziś.
- Siergiej był pierwszym, który przyniósł piosenkę „Manifesto” na próbę. Grałem w to i od razu mi się spodobało: zdałem sobie sprawę, że to będzie hit,- mówi były członek Lyapis Trubetskoy i obecny lider grupy Trubetskoy Paweł Bułatnikow. - Wszystko było na poziomie: świetne teksty, fajna melodia. Mogę też wyróżnić z tego albumu piosenkę Belarus Freedom - to doskonała kompozycja, która w tamtym czasie była bardzo aktualna. Generalnie po Capital byliśmy tak pewni tego, co robimy, że nie zwracaliśmy uwagi na nikogo ani na nic.
Jak udany był album? Świadczy o tym jeden fakt,- kontynuuje Paweł Bułatnikow. - Dzień po ukazaniu się Manifestu graliśmy w Rosji i wszyscy zgodnie śpiewali teksty - to świetny wskaźnik popularności. Wszystkie albumy Lyapis są mi drogie na swój sposób, ale Manifesto jest moim ulubionym, to na pewno. Nawiasem mówiąc, „Manifest” stał się pierwszym albumem grupy, który został opublikowany w Internecie do bezpłatnego pobrania. W ten sposób „Lapisowie” podkreślali swój tytuł „anarcho-syndykatu”, co później bardzo często było podkreślane. Przedruk tekstów i zdjęć Onliner.by bez zgody redakcji jest zabroniony. [e-mail chroniony]
Osobliwości
Fabuła
1960
lata 70.
lata 80.
1990
Albumy współtworzone
2000s
2010s
